Este blog no pretende más que el de generar un ámbito de reflexión sobre la producción de Artes Escénicas y específicamente, intenta difundir todo lo referente a la formación y profesionalización de lxs productorxs ejecutivxs en el campo de estas artes.
martes, 25 de marzo de 2014
Hola a todos,
En esta oportunidad quería darle la bienvenida a una nueva revista digital, EMPRENDE CULTURA, una publicación que promete y mucho, dirigida por el gestor Federico Borobio y en cuyo número inicial se plasman distintas miradas sobre "Cultura y dinero, ¿relaciones peligrosas?".
Supongo que estos últimos meses, fines del 2013 y principios del 2014, anduvieron extrañando horrores los post del blogdelproductorejecutivo y si no fue así, por lo menos, es posible que hayan sentido que "algo" les estaba faltando y no sabián qué era. Pues claro que sí!!! Se trataban de los post ausentes... Bueno, aquí estamos nuevamente en el camino.
En cuanto a mi ausencia temporal y no es por justificarme, les cuento que en diciembre (incluido entre fiestas) anduve finiquitando cuestiones de la preproducción de la gira a España de Los áspides de Cleopatra, obrade Francisco de Rojas Zorrilla, dirigida por Guillermo Heras, que tras su temporada porteña en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín entre septiembre y diciembre de 2013 desarrolló una gira al Teatro Pavón de Madrid de 10 funciones, desde el 12 al 23 de enero de 2014.
Dichas presentaciones fueron parte de la segunda etapa del Laboratorio América, un proyecto de coproducción entre el Complejo Teatral de Buenos Aires y la Compañía Nacional de Teatro Clásico de España, que consistía justamente en la exhibición en Madrid de la obra, cuyo elenco de 10 actores fue seleccionado primero en marzo de entre 500 postulantes y luego de un filtro de entre 32 que pasaron a la segunda etapa que consistió en un taller- laboratorio coordinado por los españoles Guillermo Heras -el director- y Gabriel Garbisu -el asesor de verso- y por el lado argentino, Carlos Casella -coreógrafo- y quien esto subscribe como productor ejecutivo. El elenco finalmente estuvo constituido por: Iride Mockert (Cleopatra); Gustavo Pardi (Marco Antonio); Mariano Mazzei (Lépido); Julián Pucheta (Caimán); Anahí Gadda (Irene); Carlos Sims (Lelio); Mariano Mandetta (Octaviano); Belén Pasqualini (Libia); Fede Howard y Marina Pomeraniec. A ellos se sumó el joven músico Matías Corno quien no solo compuso la música de la obra si no que la ejecutaba en vivo.
En cuanto a los rubros creativos, la versión y la escenografía fueron del mismo Guillermo Heras, el asesoramiento en verso de Gabriel Garbisu, los audiovisuales de Álvaro Luna (los tres de España), la iluminación de Miguel Morales, el vestuario de Aníbal Duarte y la asistencia artística de Lucila Piffer. Como compañeros de equipo, fundamentales, la asistencia de dirección o regiduría fue de Cecilia Acosta y Fabián Barbosa y fue este último quien nos acompañó a Madrid para llevar adelante las 10 funciones. ¿Cómo funcionó en Madrid?
Excelente! De las 10 funciones, 5 fueron con el deseado cartelito de "No hay más localidades" y el resto estuvo ahí de tenerlo, faltando quizás 10 o 15 entradas vendidas del aforo de 350 localidades del Teatro Pavón pero sin dudas lo más significativo para todos los que estuvimos ahí llevando adelante las funciones (dentro o fuera de la escena) fue la calurosa y entusiasta recepción del público madrileño que aplaudió "ese fresco sabor porteño que le dieron al verso clásico español los actores argentino" o "El Siglo de Oro con acento porteño", como definieron varios medios.
La puesta en escena, según espectadores que lo vieron en Buenos Aires y en
Madrid, se vio beneficiada al pasar de una sala del tipo anfiteatro como la
Casacuberta del Teatro San Martín a una típica sala a la italiana como el
Teatro Pavón de Madrid, con cámara negra y una boca escena más acotada, ya que
concentró las energías del elenco en un espacio escénico más reducido, a la
vez potenció la intimidad y la dramaticidad de muchas escenas de la obra y finalmente, posibilitó una focalización más precisa y definida de los audiovisuales.
En cuanto a las cuestiones humanas, la dinámica fue maravillosa. Aunque siempre decimos (y no siempre lo creemos) que un elenco es una gran familia en este caso fue realmente así. O mejor aún. Fue más como la energía de un grupo de amigos que encima se dan el gusto de trabajar de lo que les gusta y mejor aún, de visitantes en otro país.
En cuanto a las relaciones con el personal de la Compañía Nacional de Teatro Clásico también fueron óptimas, cálidas y bien fluidas. Quizás porque a muchos de ellos los conocía de la puesta de "La vida es sueño" protagonizada por mi amiga, la genial Blanca Portillo y el elenco de la CNTC, dirigidos por Helena Pimenta, que se realizó en abril en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín que tuve la suerte de producir localmente.
Aquí unas fotitos de la gira para que disfruten.
Arribo de la Compañía a Barajas, Madrid 7 de enero de 2014
El gran Julián Pucheta (Caimán), el gran Fabián Barbosa (regidor) y yo en el frente del Teatro Pavón de Madrid y bajo la imponente marquesina de Los áspides de Cleopatra.
Guillermo Heras (el director) y yo en los camarines del Pavón.
Con todo el elenco tomando posesión del lugar.
Mandetta, Mazzei, Pasqualini, Gadda, Pardi y Mockert en plena multirelajación previo a un ensayo.
La genial Blanca Portillo, Guillermo Heras (el director) y yo a la salida de una de las funciones.
Anahí Gadda en maquillaje.
Escena entre Cleo y Marco Antonio.
Anahí Gadda (Irene), Julián Pucheta (Caimán) y Mariano Mandetta (Octaviano) a la búsqueda de Cleo y Marco Antonio.
Final de finales. El final de la 10ma función de la obra en el Teatro Pavón de Madrid vista desde cajas (patas, hombros, etc.)
El cuantioso público esperando para entrar a la última función. Jueves 23de enero de 2014.
Luego en otro post les paso los links a las notas de prensa y reseñas que han salido. Como no podía ser de otra manera aproveché mi estada en Madrid para despuntar el vicio pedagógico con un taller de producción de 3 días para los alumnos de actuación avanzada del maestro Juan Carlos Corazza, http://www.teatrocorazza.com/index.asp y con una charla para los alumnos de producción de la profesora Rosa Peña, la responsable del área de producción del Centro de Tecnología del Espectáculo, un espacio formativo de técnicos y gestores- productores de primer nivel, http://cte.mcu.es.
Bueno. Eso es todo por el momento. Ojalá lo hayan disfrutado
Gustavo Schraier febrero de 2014
miércoles, 27 de noviembre de 2013
Domingo 17 de noviembre de 2013 | Publicado en edición impresa
Buenos Aires, capital del teatro
Como Nueva York, Londres o París, la cartelera porteña crece en salas y propuestas artísticas
No caben dudas: quienes
habitamos el suelo porteño vivimos en una verdadera meca teatral, un
centro de creación cuya producción bien puede compararse con la de otras
capitales culturales del mundo, como Nueva York, París o Londres. Así
lo comprueban los datos del Ministerio de Cultura de la Ciudad, que
arrojan que Buenos Aires suma ya 199 teatros y 235 salas, entre los
circuitos comercial, independiente y oficial. Además, como era de
esperar, la proliferación de los espacios trajo consigo un aumento en
las propuestas artísticas, que llegan a alcanzar, en los inicios de
temporada, más de treinta estrenos semanales.
Pese a que Buenos Aires aún no ranquea primera en la
lista de las ciudades con más teatros del mundo (según datos del World
Cities Culture Report 2012, la superan Nueva York, con 420; París, con
353 y Tokyo, con 230), prácticamente iguala a Londres, donde hoy
funcionan 214 teatros, y logra superar a los centros culturales más
importantes del continente, como San Pablo, que cuenta con 116. Tal es
el crecimiento de la propuesta teatral de la Ciudad, que la semana
última, la asociación civil La Trama y El Cultural San Martín llevaron a
cabo el Primer Encuentro Internacional de Creación de Nuevos Públicos,
una iniciativa en la que artistas, gestores culturales e investigadores
locales y del exterior compartieron sus experiencias.
Sin dudas, en este escenario en el que se multiplican
las propuestas, los artistas y los espacios de formación y producción,
vale la pena plantear al menos algunas preguntas: ¿qué características
tiene hoy la escena porteña?, ¿cuánto público convocan los distintos
circuitos?, ¿crece el volumen de espectadores en proporción a la
prolífica producción? En caso de no ser así, ¿qué estrategias podrían
servir para acercar a nuevas audiencias?
Un diagnóstico de la escena
El circuito comercial porteño está comprendido por 28
teatros y 35 salas y convoca al mayor volumen de público. Según los
datos de Aadet, la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales y
Musicales, en 2012, se llevaron a cabo 7923 funciones en los teatros
asociados de la ciudad de Buenos Aires y el total de espectadores
alcanzó los 3.051.026. "Las propuestas se multiplican porque, aunque no
se quiera creer (y menos en palabras de un empresario), aquí las cuentas
están detrás de los proyectos -explica el productor Carlos Rottemberg,
presidente de Aadet-. Se antepone la pasión, el talento, la vocación y
otras cosas antes que las conjeturas sobre resultados económicos. Por
eso siempre sostengo que se hace más necesario ser teatrista que
empresario y que, mientras esa fórmula funcione, la buena salud del
teatro está asegurada".
A la hora de comparar Buenos Aires con otros centros
teatrales del mundo, Rottemberg se muestra optimista y sostiene que aquí
casi el ciento por ciento del mercado es de público local, a diferencia
de lo que ocurre en ciudades como Londres o Nueva York. "Eso se
comprueba entre otras cosas por la marca que significan los nombres
propios: la gente concurre a ver el espectáculo de fulano. En cambio, en
las ciudades donde el espectador primordial es el turista, se hace
necesaria la comedia musical por un tema de idioma y nadie sabe quién
está detrás del personaje de El fantasma de la ópera , por dar un ejemplo concreto", explica el productor.
Además del crecimiento del circuito comercial (en
propuestas y espectadores), el circuito independiente también sigue
ganando terreno en la cartelera. Hoy cuenta con 163 teatros y 175 salas y
convoca a cerca de 600.000 espectadores anualmente, según datos de un
relevamiento realizado en 98 salas, por Artei, la Asociación Argentina
de Teatro Independiente. "El crecimiento anual de salas en Buenos Aires
no puede entenderse como respuesta a una demanda del público, ni debido a
un crecimiento del mismo, sino a la necesidad de los distintos grupos
teatrales de contar con espacio propio, tanto para la creación como para
el dictado de clases", explica César Mathus, gestor cultural, miembro
de la comisión directiva de Artei y ex integrante del directorio de
Proteatro. "Existen salas que realizan cuatro funciones semanales y hay
otras que realizan entre siete y ocho. Lo que se ha consolidado en el
transcurso de estos diez últimos años es que los espectáculos hacen una
sola función por semana y, en casos contados, dos." Por otro lado, con
respecto a la relevancia del circuito en la vida teatral de la ciudad,
Mathus añade: "El sector teatral independiente es el que genera la
mayor cobertura de expresiones artísticas en los barrios de la ciudad".
Dentro de la escena independiente, otra de las
tendencias marcadas de los últimos años ha sido la apertura de pequeños
espacios, con capacidad para menos de ochenta espectadores, muchos de
ellos agrupados hoy por el colectivo Escena (Espacios Escénicos
Autónomos). Catalina Lescano, una de las dueñas de Espacio Zafra e
integrante de Escena asegura que, en su teatro (que tiene apenas un año y
medio de vida), tanto los espectáculos de danza como los de teatro
trabajan "a sala llena", aunque asegura que, si bien creció el número de
espectadores, también aumentaron notablemente las propuestas.
Por su parte, Emilio Gutiérrez, uno de los dueños de El
Camarín de las Musas (que se ubica entre los teatros más convocantes
del circuito independiente), coincide en observar que el último año ha
sido muy favorable en cuanto a la presencia de público, aunque también
cuenta que, desde su teatro, se han impulsado iniciativas para acercar a
nuevos espectadores. "Éste es uno de los mejores años que hemos tenido.
Estamos con una ocupación de casi el 90 por ciento. Nosotros tenemos
precios especiales para estudiantes, jubilados y pusimos una promoción
«sub-25» para saber si es que la gente joven no se acercaba tanto por un
tema económico o por falta de interés. Y realmente han venido muchos
jóvenes, ha funcionado muy bien."
Los
números que se manejan dejan la puerta abierta a preguntarse qué
estrategias podrían servir para acercar nuevas
audiencias. Foto: Archivo
Las nuevas audiencias
Pese a que quienes disfrutan de la ceremonia teatral no
pueden sino estar contentos ante el vasto abanico de alternativas que
ofrece Buenos Aires y considerando que, sin dudas, hay espacios muy
convocantes en los distintos circuitos, quizá sea éste un momento
oportuno para preguntarse por el futuro, sobre todo, en materia de
potenciales espectadores.
En ello trabajan Ana Durán y Sonia Jaroslavksy, autoras del libro Cómo formar jóvenes espectadores en la era digital
y coordinadoras generales del programa Formación de Espectadores del
Ministerio de Educación de la Ciudad de Buenos Aires, una iniciativa que
propone tender un puente entre propuestas de teatro independiente y
grupos de adolescentes de escuelas municipales.
"Creo que crecimiento de público hay, pero no es acorde
a la cantidad de propuestas artísticas que hay en Buenos Aires",
sostiene Jaroslavsky y, como indicadores de su observación, asegura que
buena parte de los espectáculos, en el circuito independiente, no logran
durar más de tres meses en cartel y que gran parte del público que
consume estas propuestas está compuesto por "prosumidores", es decir,
por personas que son a la vez consumidores y generadores contenidos del
propio circuito. "Nuestras encuestas dicen que el 40 por ciento de los
jóvenes de las escuelas medias de gestión estatal no asistieron jamás al
teatro y que el 90 por ciento no asistió jamás a ver un espectáculo de
danza", agrega Jaroslavsky.
Por su parte, Durán observa que la problemática del
público en la escena independiente responde a una tendencia creciente de
producir teatro sin pensar en quién asistirá a verlo. "Nosotros no
creemos que la sala o que las obras se hagan contemplando que hay un
otro que lo vaya a ver -dice-. Me parece que lo que tiene el teatro hoy
es la contradicción entre el amateurismo y una falta de reflexión, que
lleva a un elitismo de hecho, que significa que hay a una sala para
veinte butacas y que no tengo pensado quiénes son esos veinte que van a
venir."
A la hora de pensar en acercar a nuevos públicos,
Jaroslavsky sostiene que los artistas y los espacios teatrales pueden
tender sus propios puentes si se plantean nuevas formas de producción y
difusión. "Podrían ayudar, en primer lugar, estrategias de salas y
elencos en comunión: redes de salas, artistas, grupos o cooperativas que
aborden estrategias de vínculo con colectividades, grupos, ONG,
sindicatos, escuelas primarias, secundarias, terciarios, universidades,
para pensar cómo se los lleva y cómo se los vuelve a traer, con acciones
continuas y a largo plazo. Eso conlleva pensar más allá de mi
espectáculo, pensar en un todo, en un mecanismo, en un sistema que hay
que poner a rodar", dice. Además, señala que es importante preguntarse:
"¿Para quién creo que es mi espectáculo?" y trabajar en el encuentro con
los otros, llevando adelante charlas y encuentros y dándole voz al
espectador.
Quizá convenga que los creadores de nuestra vital
escena tomen nota de algunas de estas sugerencias para que el teatro
siga siendo un lazo a los otros y para que, en cada escenario porteño,
siempre haya una historia viva y alguien a quien contársela.
Otras capitales teatrales
Nueva York 420 teatros / 28.187.344 espectadores anualmente
París 353 teatros / 5.700.000 espectadores anualmente
Tokio 230 teatros / 12.011.000 espectadores anualmente
Londres 214 teatros / 14.152.230 espectadores anualmente (sólo en los teatros que integran la SOLT, la sociedad de teatros de Londres).
Fuente: World Cities Culture Report 2012
La escena porteña en números
Cifras que ayudan a entender un fenómeno
199 teatros en la ciudad de Buenos Aires
235 salas en la ciudad de Buenos Aires
163 teatros en el circuito independiente
(Proteatro considera "propuesta cultural-teatro independiente" a
aquellos espacios cuya capacidad no excede los 300 espectadores).
175 salas en el circuito independiente
28 teatros comerciales
35 salas comerciales
8 teatros oficiales
25 salas oficiales
3.051.026 espectadores acumuló el circuito comercial en 2012
600.000 espectadores suma por año, en promedio, el circuito independiente
Se lanza el 1° Encuentro Internacional de Creación de Nuevos Públicos que organiza la Asociación Civil de Difusión, Formación y Promoción de las Artes La Trama que dirigen las colegas y amigas Ana Durán y Sonia Jaroslavsky y el Cultural San Martín, con el apoyo de Iberescena.
Este Encuentro Internacional reunirá durante tres días a
profesionales que se dedican a la gestión de programas de creación y
desarrollo de públicos para las artes escénicas, investigadores y
colectivos artísticos que trabajan con y para sus comunidades en
estrategias de acercamiento, en particular provenientes de Brasil,
Uruguay, Chile, España, Colombia, Bolivia y Argentina.
Los asistentes tendrán la oportunidad de conocer una variedad de
prácticas que actualmente se ponen en marcha en los diversos
espacios artísticos y centros culturales de distinta escala, tanto
oficiales como independientes. Los paneles irán seguidos de una charla
con gestores y profesionales locales de este campo a fin de incentivar
el intercambio de experiencias.
El
encuentro está destinado a artistas de las artes escénicas, dueños de
salas, gestores culturales, productores, investigadores y público
interesado en el tema.
La cita será los días 13, 14 y 15 de noviembre próximos en el Cultural San Martín, con inscripción previa y la asistencia es gratuita. Más información y programa del encuentro en: http://www.latramaweb.com.ar/encuentro/index.html
Hola a todos, Sé que hace tiempo que no subo información al blog y es que los viajes de trabajo y las muchas producciones me impidieron escribir con la frecuencia que quisiera.
Para ponernos al día, les cuento que:
El sábado 7 de septiembre de 2013 estrenamos la primera experiencia del Laboratorio América con la producción de "Los áspides de Cleopatra" de Francisco de Rojas Zorrilla en versión y dirección del maestro Guillermo Heras con Iride Mockert, Gustavo Pardi, Mariano Mazzei, Julián Pucheta, Anahí Gadda, Mariano Mandetta, Belén Pasqualini, Carlos Sims, Fede Howard, Marina Pomeraniec y música de Matías Corno. Es una producción asociada del Complejo Teatral de Buenos Aires y de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de España que se presenta en la sala Casacuberta del Teatro San Martín de miércoles a sábado a las 21:00 hs y los domingo a las 20 hs y que durante enero de 2014 realizará una minitemporada en el Teatro Pavón de Madrid. A no perdérsela. http://www.clarin.com/espectaculos/teatro/Critica_0_992300924.html
Créditos: Carlos Furman
Además durante este año he participado en:
Espacio Alternativo. Encuentro de Gestores Teatral 2013, La Paz, Bolivia, Febrero de 2013.
26° Festival Internacional de Teatro Universitario de Blumenau, Brasil del 4 al 13 de julio 2013 ( dictando un taller de producción escénica y como jurado de la muestra nacional)
45to Festival Internacional de Teatro de Manizales, Colombia del 3 al 8 de septiembre 2013 (dictando un taller de producción escénica y compartiendo la experiencia de ver mucho teatro junto a mis amigas mexicanas Marisa de León y Silvia Peláez, quienes también dictaron talleres, y disfrutando a nuestro amigo colombiano Julián Arbeláez, el productor general del FIT Manizales)
1° Seminario- taller El rol del productor en el espectáculo escénico organizado por el Fondo Mixto de Promoción de la Cultura y las Artes de Cartagena, Colombia del 12 al 14 de septiembre de 2013 (como participante de una mesa debate y como moderador de otra y acompañando a Marisa y a Silvia con sus respectivos talleres).
Aquí algunas imágenes de mi raid por Colombia.
Manizales, Colombia. De derecha a izquierda: Marisa de León (México), Julián Arbeláez (Colombia), Silvia Peláez (México) y un servidor justo al frente de la sede del Festival Internacional de Teatro de Manizales, 3-8/09/2013 http://festivaldemanizales.com/p/
Manizales, Colombia. Silvia, Marisa y yo con los amigos de Zanguango Teatro (España) durante el 45° Festival Internacional de Teatro de Manizales 2013 http://www.zanguangoteatro.com/
Bogotá, Colombia. De izquierda a derecha: mi exalumna del curso del Teatro San Martín y coorganizadora de Escénica 2013 en Bogotá, Eddy Gómez (Colombia), Marisa, Silvia y su servidor disfrutando de un almuerzo en Bogotá.
Cartagena, Colombia. De derecha a izquierda: Silvia Peláez (México), Marcela Nossa (Organizadora del encuentro en Cartagena, Colombia), César Monroy (Los Danzantes, Colombia), Marisa de León (México) y yo al finalizar el "Seminario taller el rol del productor en el espectáculo escénico".
Hasta la próxima.
lunes, 4 de marzo de 2013
Cursos y talleres de formación y perfeccionamiento 2013
Este taller de modalidad teórico práctica posibilita ahondar
en el proceso de producción de un espectáculo en vivo a partir de la
aplicación de herramientas, técnicas y métodos de la gestión y la
producción ejecutiva en un simulacro de proyecto escénico en tiempo
real.CONTENIDOS: Sistemas de producción y circuitos de
exhibición en Argentina. Ciclo de la producción. La problemática de los
derechos de autor. La preproducción. El anteproyecto (Análisis-Diseño).
Diagnóstico del proyecto. Planificación estratégica y operativa.
Previsión estimativa de costos. Estudio de viabilidad de proyectos.
Financiación. El proyecto definitivo (Presupuesto-Cash Flow). Estudio
preliminar de salas. La producción. Gestión, coordinación y supervisión.
Estrategias de comunicación. La explotación. Etc.
GUSTAVO SCHRAIER. Productor ejecutivo y artístico
profesional. Coordinador de Producción Artística del Complejo Teatral de
Buenos Aires desde 2000. Trabajó entre otros con Jorge Lavelli, Lluís
Pasqual, Robert Sturua, Carlos Gandolfo, Juan Carlos Gené, Rubén
Szuchmacher, Laura Yusem, Villanueva Cosse, Luciano Suardi, Alejandro
Tantanian, Luis Cano, Willy Landin, Ciro Zorzoli, Paul Desveaux.
Productor ejecutivo de “Disney´s La bella y la bestia”, “Fausto versión
3.0” por La Fura del Baus, y “Carmen” por la Cuadra de Sevilla. Director
de producción y gerente de programación artística del área de Artes de
la Representación de la Fundación Banco Patricios desde 1992 hasta su
cierre en 1998. Docente universitario de gestión y producción escénica
en distintos ámbitos públicos y privados de la Ciudad de Buenos Aires y
del interior y exterior del país. Asistente técnico en gestión y
producción ejecutiva del Instituto Nacional del Teatro. Coordinador
académico del 2º Foro sobre la producción escénica en Iberoamérica
(CELCIT, Buenos Aires, 2011) y asesor internacional de los encuentros
precedentes en México 2009 y 2010 y del 2º Congreso Iberoamericano de
Productores Escénicos de España 2012. Publicó variados artículos sobre
la producción escénica en revistas especializadas y es autor del libro
“Laboratorio de producción teatral 1, técnicas de gestión y producción
aplicadas a proyectos alternativos”. 1º edición Instituto Nacional del
Teatro -agotada (2006). Reeditada por Editorial Atuel (2008 y 2010)
Informes e inscripción: CELCIT. Moreno 431, Buenos Aires. Teléfono: (5411) 4342-1026. e-mail correo@celcit.org.ar
Horario de atención: Lunes a sábados de 10 a 13; lunes a jueves de 18 a 21
martes, 8 de enero de 2013
Kartun: las
producciones más trascendentes surgen del más rabioso circuito independiente
En reconocimiento a su labor
teatral y el aporte al desarrollo de la cultura nacional, Mauricio Kartun fue
elegido Padrino de Artes Escénicas del MICA 2013. A continuación,
reproducimos una entrevista en la que esboza un panorama del quehacer teatral.
Dentro del panorama
favorable de las industrias culturales argentinas, ¿cuál es la situación del
teatro en particular?
Está muy bien en todo el país en
relación a décadas anteriores. Y en Buenos Aires excepcional. En cantidad de
espectáculos la ciudad es la de mayor producción entre las capitales
iberoamericanas y una de las mayores en el mundo. Una rara desmesura. Y un
asombro siempre para el turismo cultural. En términos de calidad –es fácil
comprobarlo- la enorme mayoría de los festivales internacionales cuentan en su
programación con algún espectáculo de los nuestros. Tal vez lo más singular de
todo esto sea que las más trascendentes de estas producciones surgen del más
rabioso circuito independiente.
En Argentina, ¿cuál de
estas dos “dimensiones” es más relevante o decisiva en la práctica teatral: el
teatro de autor o las asociaciones colectivas? ¿Por qué?
En un lugar como el nuestro, de
tanta producción, es natural que el teatro de autor pierda terreno frente a
modalidades más colectivas: la dramaturgia del actor, del director. Son
modalidades que permiten una acción de creatividad más grupal y equilibran esa demanda,
que en ciudades como la nuestra es enorme. Todos los años surgen tres o cuatro
buenos autores jóvenes, y en términos históricos es un número optimista, pero
en la escala desmesurada del requerimiento es insuficiente (más aun cuando
buena parte de ellos eligen dirigir sus propios textos). Los elencos, los
grupos, buscan estrenar piezas, buscan materiales no representados antes y se
pone difícil porque la desproporción es muy grande.
Las puestas de obras de
autor extranjero, ¿han sucumbido a cierta estandarización dramática, en
relación a un modelo teatral que sólo pretende amortizar la inversión?
Siempre ha habido un teatro
comercial que trabaja en el marco de una estructura mercantil, fordista
digamos: ganar lo más posible con el menor esfuerzo. Aun con honrosas
excepciones hay mucho teatro hueco entre estas producciones, poco riesgo. La
dialéctica del teatro de arte es siempre en ese sentido definitivamente
antisistema: la proporción entre el esfuerzo y el resultado siempre es negativa
(seguramente porque la pasión no admite administración ni a palos). Cuando das
con un artista que no resigna su pasión aun laburando en el quiosquito de la
calle Corrientes el resultado siempre estará arriba del estándar.
¿Hay un resurgimiento de la
escena teatral como herramienta de vinculación social, ya sea en barrios o en
pueblos de provincia?
Sí. En la última década el fenómeno
del teatro comunitario, sobre todo, se reprodujo en los lugares más insólitos.
Aquella experiencia fundacional del Grupo Catalinas y su voluntad generosa de
difundir el modelo llevaron al género (y qué bueno es poder llamarlo ya
“género”) a barrios, ciudades y pueblos que encontraron en él una herramienta
potente y gozosa. Un medio poderoso para la recuperación de la memoria y una
actividad social oxigenante como pocas.
En medio de la crisis
europea, ¿cuál es la relación que mantiene Argentina con Europa en materia de
intercambio teatral?
Algunos creadores de por acá:
Veronese, Tolcachir, Bartís o Daulte sostienen allá temporadas muy exitosas. Y
hay una docena de artistas más jóvenes que suelen cubrir programación de
festivales y encuentros de todo nivel. En términos de guita se ve muy clara la
restricción económica pero al menos los eventos más tradicionales se sostienen.
Creo que hace falta desde el estado una política enérgica en términos de
intercambio, activa y especializada en el tema: que ofrezca salas en nuestra
ciudad–que es una plaza de las más prestigiosas siempre- a buenas producciones
extranjeras a cambio de la presencia de nuestras producciones en los países de
origen de esas compañías.
¿Y con Latinoamérica?
Con alguna excepción mínima cada
país latinoamericano tiene al menos un festival internacional y en varios casos
dos o tres. El teatro nacional está presente en cada uno con muy buena
recepción. Por lo demás le corresponden las generales de la ley de lo que te
decía con Europa.
Escribir, montar, dirigir
obras de teatro, ¿supone una responsabilidad singular, “especial”, comparada
con la de cualquier otro trabajador?
Cada oficio tiene su ética. La
responsabilidad es en cada uno inevitablemente singular. En nuestro caso,
construyendo un discurso expreso como lo hacemos la responsabilidad pasa por en
principio por ese discurso, claro, pero no termina allí. Suele confundirse demasiado
habitualmente oficio con arte. Oficio es la capacidad de resolver en estado de
solvencia que fluye. Pero ser solvente y fluyente no te hace artista. El arte,
como decía antes es una decisión, un esfuerzo, una inversión de calorías (e
inevitablemente de angustia y riesgo). Se puede trabajar de oficio, algunos lo
hacen. Creo que la ética es el compromiso de agregarle a ese oficio pasión
artística.
Según tu parecer, ¿el MICA
puede contribuir con la profesionalización de autores y compañías? ¿Es algo
bueno para el quehacer teatral?
El MICA es una gran idea que en
términos de actividad teatral puede ser un gran cambio. Armar una muestra de
producciones nacionales al margen de la influencia de los productores y
programadores que suelen manejar el quiosco es abrir sanamente el juego. Con
una selección hecha por especialistas que conozcan tanto en detalle nuestras
producciones como la demanda de cada programador asistente puede armarse un
verdadero mercado.
Fuiste elegido Padrino de
las Artes Escénicas del MICA 2013. ¿Qué consejos o recomendaciones le darías a
los productores teatrales recién iniciados, en relación a su ingreso a un
mercado de bienes simbólicos?
Una vez más: la priorización de lo
artístico por sobre encima de cualquier otro valor. Entender que en arte la
producción es un medio no un fin. Un medio imprescindible, pero apenas un medio
y no otra cosa. Leía el otro día una anécdota sobre el gran Leonardo Favio:
alguien de su equipo contaba que durante la filmación del Moreira lo había
encontrado una vez alejado del grupo, con los ojos llenos de lágrimas,
angustiado y rogando en soledad por poder resolver de la mejor manera posible
unas escenas difíciles. Esa película que fue luego el gran éxito del cine
nacional fue antes el desvelo, el llanto, de un artista genial que se jugaba la
vida en cada film. Si no entendés eso todo el resto será un malentendido.
